L’arte del creativo Michele Spanò tra le antiche mura della Rocca dei Borgia, a Nepi

 

Tanti vip per la terza edizione del “Nepi Fashion Show” con modelle, cantanti e personaggi del mondo dello spettacolo 

Torna la fascinazione tra le mura dell’antico castello di Nepi. Un appuntamento che sarebbe piaciuto a Lucrezia Borgia che nel 1499, grazie al padre Rodrigo Borgia, divenuto papa Alessandro VI, ricevette in dono la cittadina della Tuscia. La donna, oltre a regalare un periodo di prosperità alla località, continuò i lavori nella Rocca per renderla ancora più vivibile. Sono in molti ad avvertire, nel cortile del maniero nepesino, i fasti di un tempo. Complice la serata sotto le stelle che coinvolge tanti artisti del mondo dello spettacolo. 

Il castello dei Borgia si illumina per l’occasione di stile e di luci. Nella suggestiva fortezza che rievoca una particolare storia della nostra regione, ideale cornice per shooting fotografici e celebre anche per la scenografica cascata, va in scena la terza edizione del “Nepi fashion show”. Passerella dove sfilano venti affascinanti modelle, personaggi dello showbiz e della cultura. 

La manifestazione, con la direzione artistica di Michele Spanò e Luca Barile, sfoggia una madrina d'eccezione: la conduttrice Laura Freddi, in originale e coloratissimo lungo modello floreale. Raggiungono l'happening Carolina Marconi e Eleonora Cecere, ex di “Non è la Rai”, che canta un brano. Applaudono, in prima fila, Conny Caracciolo, le attrici Maria Tona, Lucilla Diaz, Laura Sorel e Carmen Di Pietro. 

L’evento è condotto dalla giornalista Barbara Castellani, in lungo fucsia. Si comincia con i tamburi della musicista Valeria Contestini. Ed è subito fascinazione. Seguono ben quattro sfilate, tra i riflessi della sera: quelle degli stilisti Gabriella Romeo, Eire Mota, Stefano Roncaccia e Pierluigi Santoro. Applausi. Segue lo show di Spanò, in total white, che tra modelle a piedi nudi e candidi pepli, e nebbia artificiale, crea un’artistica acconciatura di piume nere al centro della scena. 

Cambio di registro: esposizione di quadri a cura dei pittori Mauro Russo, Angelina Marchesi e Rossana Venturini.

 E si prosegue con due giovani artisti: i cantanti in erba Alessandra Badulescu e Lorenzo Sebastiano, quest’ultimo reduce dal talent “Io canto generation”. Applaude il sindaco di Nepi, Franco Vita. 

Poi, nella notte, a fine spettacolo, il tutto si dissolve.

Daniela Dal Lago

19 giugno, Danilo Bucchi apre Estate al MAXXI con Oltretutto di DANILO BUCCHI a cura di Achille Bonito Oliva

 

Il 19 giugno sarà Danilo Bucchi ad aprire la programmazione di Estate al Maxxi 2024, con una serata eventoche vedrà protagonista il suo ultimo progetto: Oltretutto. In una veste inedita, che non lo vede come autore delle sue tele, bensì alle prese con il linguaggio fotografico e osservatore/orchestratore dei disegni degli altri - tra volti di sconosciuti, ma anche scrittori, registi, attori, stilisti, musicisti, curatori, direttori di musei incontrati per le strade di Roma, Milano, Berlino, Parigi, New York e Tokyo - Oltretutto è un lavoro complesso che ha coinvolto Bucchi per quasi dieci anni dando vita a un catalogo ragionato edito da DRAGO e realizzato con il sostegno di Galleria Gaburro. Un libro d’arte in cui l’artista va oltre, uscendo dalla dimensione classica, per approdare alla forma editoriale; una nuova prova d’artista, dove a parlare non sono le sue opere, quelle che l'hanno reso nome di spicco della scena contemporanea e del collezionismo d’arte, bensì i disegni degli altri accostati ai ritratti fotografici dal lui stesso realizzati. Saranno proprio i ritratti fotografici di questa umanità variegata e messa a nudo attraverso il disegno a circondare visivamente lo spettatore in occasione della grande festa di apertura di Estate al MAXXI con una serata unica e inclusiva dallo stile espositivo non convenzionale, tra immagini in movimento e suono che vedrà trasformati gli spazi del piazzale del MAXXI. La trama che ha portato alla creazione di Oltretutto verrà esposta attraverso schermi ledwall che invaderanno lo spazio, avvolgeranno il visitatore, immergendolo in un loop di immagini, segni, volti accompagnati dalla musica di DJ Red, figura chiave della scena techno europeanella restituzione pubblica e inclusiva di un progetto che racconta l’inconscio delle persone attraverso le suggestioni dei loro schizzi e gli scatti in bianco e nero contenuti in un libro d’arte inaspettato in cui lo sguardo va oltre il ritratto, va Oltretutto. Una selezione di ottanta ritratti, ciascuno in dialogo con sé stesso, dove l’apparenza interroga la sostanza, la forma trasmette il contenuto all’interno di un catalogo da collezione che supera i confini di una ricerca artistica e trascina il fruitore in un gioco di rimandi intimo e allo stesso tempo universale. 

 A cura di Achille Bonito Oliva, Oltretutto è un catalogo ragionato che dà voce a volti e immagini che raccontano una storia privata attraverso una ritrattistica che Danilo Bucchi ha saputo rendere intelligibile ed emozionale; un progetto coerente con la ricerca dell’artista, che indaga da sempre sul linguaggio del segno e delle sue origini inconsce, ma che in questo caso lo vede fotografo e spettatore del disegno altrui. L’occhio dell’artista scruta la dimensione interna ed esterna dei soggetti ritratti accostandoli ai loro disegni, per generare una suggestione non univoca, ma aperta all’interpretazione di chi guarda, pronta a mischiarsi con le esperienze personali dello spettatore in un voyeuristico viaggio verso la conoscenza. Ed è attraverso il linguaggio della fotografia che Danilo Bucchi con Oltretutto traccia questa dimensione inconscia, con un viaggio in 160 pagine che supera i confini della ricerca artistica. Info artista:www.danilobucchi.com Pre-order:www.dragopublisher.com/it/prodotto/oltretutto/

 Ufficio Stampa HF4www.hf4.it Marta Volterra marta.volterra@hf4.it+39.340.96.900.12 Valentina Pettinelli valentina.pettinelli@hf4.it+39.347.449.91.74

Giò di Giorgio

Parco del Colosseo, Circo Massimo, Bocca della Verità dall'11 giugno al 30 settembre 2024 Colonne Infinite di Park Eun Sun a cura di Leonardo Contini

 

Tra arte contemporanea e antichità, Oriente e Occidente, per celebrare il 140° Anniversario delle Relazioni Diplomatiche tra Italia e Corea. Nel cuore storico di Roma: cinque monumentali opere d'arte scultoree si alzano verso il cielo Presskit: Cinque colonne d'artista, cinque monumentali opere d'arte scultoree di 14 e 6 metri che si alzano verso il cielo: è questa "Colonne Infinite", l'installazione dell'artista coreano Park Eun Sun a cura di Leonardo Contini, che dall'11 giugno al 30 settembre 2024, in occasione dell'Anno dello Scambio Culturale Italia e Corea 2024-2025, porterà l'arte contemporanea nel cuore di Roma, tra il Parco Archeologico del Colosseo, Piazza Bocca della Verità e il Septizodium, per omaggiare il 140° Anniversario delle Relazioni Diplomatiche tra Italia e Corea. Un'installazione artistica che si fa simbolo di incontro e dialogo tra contemporaneo e antichità, Italia e Corea, Oriente e Occidente.

Un'occasione unica, per romani e turisti, nel centro storico della capitale, per vivere la fusione tra arti, storie e culture, celebrando l'amicizia tra Italia e Corea attraverso cinque opere monumentali che, riflettendo la tradizione della colonna, trasformano l'elemento strutturale in un oggetto d'arte. In occasione del 140° Anniversario delle Relazioni Diplomatiche tra Italia e Corea, il Ministero della Cultura, Sport e Turismo della Repubblica di Corea, l'Istituto Culturale Coreano in Italia e la Korean Foundation for International Cultural Exchange (KOFICE) organizzano la mostra 'Colonne Infinite' dello scultore Park Eun Sun nel centro storico di Roma. La mostra, curata da Leonardo Contini e realizzata in collaborazione con il Parco Archeologico del Colosseo, il Comune di Roma e la Galleria d'Arte Contini, avrà luogo in tre significativi siti del centro storico quali il Tempio di Venere, Piazza Bocca della Verità e il Septizodium che affaccia sul Circo Massimo.

La mostra verrà inaugurata l'11 giugno e sarà fruibile al pubblico di tutto il mondo fino al 30 settembre, contando cinque opere dello scultore Park Eun Sun, tra cui un'imponente scultura dall'altezza di circa quattordici metri. Innestata con attenzione nel cuore storico più antico e iconico di Roma, "Colonne infinite" si sviluppa ai vertici di un triangolo ideale che collega il Tempio di Venere, la piazza della Bocca della Verità e l'area antistante l'antico Septizodium. Le colonne in marmi e graniti policromi di Park si ergono con intenzioni diverse in ciascuno di questi luoghi. Nel contesto del Parco Archeologico del Colosseo due opere in granito rosso e nero propongono una 'poetica delle assenze' atta ad attirare lo sguardo laddove adesso permane il vuoto, pregno di significato storico ed artistico, di ciò che il tempo e la storia hanno abbattuto. 

Le colonne di Park quindi proseguono idealmente il peristilio del Tempio di Venere, che si ergeva innanzi al Colosseo. Nel contesto della piazza della Bocca della Verità, una singola opera di quattordici metri svetta nel Foro Boario quasi come un campanile tra i Templi di Ercole Vincitore e di Portuno, ponendosi in dialogo con due 'sorelle maggiori' che ancora permangono nella città: la colonna Traiana e Aurelia e forse prendendo idealmente il posto della colonna di Antonino Pio, i cui resti sono stati rinvenuti nel XVIII sec - anche se questa si ergeva nel Capo Marzio e non nel Foro Boario. Infine due colonne di oltre sei metri si ergono ai piedi del luogo dove anticamente sorgeva il Septizodium, un monumentale ninfeo di età imperiale. Le due opere si affacciano sul Circo Massimo, luogo di altrettanta importanza storica e che vibra ancora della vita sociale e culturale della città , con l'intenzione di creare un'associazione positiva rispetto ad un contesto che per i fruitori rappresenta un luogo di condivisione e complicità , che si spera venga arricchito della presenza delle opere. Il tema della mostra 'Colonne Infinite' è espressione del concetto di 'infinito' dello scultore, ma si allinea anche con l'augurio di infinito sviluppo del rapporto di scambio tra Italia e Corea nel 140° anniversario delle relazioni diplomatiche tra le due nazioni. L'esposizione delle opere monumentali di Park Eun Sun a Roma infatti unisce idealmente Italia e Corea del Sud, proponendo una 'archeologia' che indaga non solo il tempo ma anche lo spazio e l'evoluzione dell'arte nei secoli. In particolare le cinque opere monumentali che costituiscono la mostra si concentrano sul tema della colonna, di cui Park porta avanti la tradizione che ha fatto di un elemento fondamentalmente strutturale un oggetto d'arte. 

Affermato a livello internazionale, Park realizza opere che fondono le sue radici orientali con la tradizione artistica occidentale. La sua cifra stilistica si manifesta nelle profonde fratture che solcano le sue opere, diventandone parte integrante. Queste 'ferite' evocano, da un lato, la sofferenza, ma dall'altro sono un importante simbolo di rinascita, nonché una finestra che consente di 'vedere oltre la superficie' per ammirare l'interno della scultura, dove il materiale viene lasciato grezzo. Le opere di Park si distinguono inoltre per l'impiego di una raffinata tecnica contraddistinta dall'alternanza di due diversi colori, che restituisce l'effetto di un'elegante stratificazione bicromatica. Park Eun Sun è nato nel 1965 a Mokpo in Corea del Sud. La scoperta della pittura, arriva molto presto nella vita dell'artista che sogna di diventare un grande pittore. Nel corso degli anni Park Eun Sun partecipa e vince molti concorsi di pittura per ragazzi e i genitori gli concedono così di dedicarsi liberamente all'arte. Trasferitosi a Seoul si iscrive al corso di laurea per diventare insegnante di materie artistiche presso l'Università di Kyung Hee. L'importanza dedicata alle forme e alla materia lo avvicina allo studio della scultura, portandolo così a cambiare indirizzo di studi presso l'Università di Kyung Hee, passando dalla pittura alla scultura. La scoperta dei materiali passa dall'iniziale uso della creta al marmo e successivamente al granito. La scultura di Park si sviluppa nel concetto di spazio espresso dalle culture orientali per mezzo dell'abrasione della superficie dove convivono spaccature, squarci e tagli che simboleggiano l'apertura dell'interiorità umana e, nel contempo, la distruzione totale della materia. Le prime mostre personali si tengono a Firenze nel 1995, a Monaco di Baviera nel 1996 e a Seoul nel 1997. Park ha esposto in diverse gallerie e musei in Italia (Firenze, Genova, Pietrasanta, Roma, Torino, Verona, Padova, Milano) e all'estero (Belgio, Corea, Francia, Germania, Inghilterra, Lussemburgo, Olanda, Panama, Polonia, Singapore, Stati Uniti e Svizzera). Dal 2021 l'artista è rappresentato in esclusiva dalla Galleria d'Arte Contini, che ha realizzato diverse importanti mostre tra le quali, nel 2021, 'Infinita fluidità della pietra' a Viareggio, 'Nell'Infinito dell'Arte' a Venezia e Cortina d'Ampezzo e 'Dal Mare all'Infinito' a Forte dei Marmi. Nel 2022 le opere monumentali dell'artista sono esposte al Teatro del Silenzio di Lajatico (Pisa) e nel centro storico di Pontedera (Pisa). Nello stesso anno un'opera monumentale è stata donata alla città di Pietrasanta (Lucca). Nel 2023 espone a Milano Marittima e nelle prestigiose sale di Palazzo Litta a Milano. Attualmente la sua attività lavorativa è sita tra l'Europa e la Corea del Sud. Nel 2025 sarà inaugurato in Corea del Sud il Museo 'Infinito', uno spazio espositivo interamente dedicato a Park Eun Sun, progettato dal celebre architetto Mario Botta. 

Press Office HF4 www.hf4.it Marta Volterra marta.volterra@hf4.it +39.340.96.900.12 Valentina Pettinelli valentina.pettinelli@hf4.it +39.347.449.91.74 

                  Giò Di Giorgio

“Cuore italiano” Una storia coinvolgente che intreccia passato e futuro . Per la FESTA DELLA REPUBBLICA da domenica 2 giugno in esclusiva su RaiPlay.

 

Un cortometraggio che parte da un sogno, da una volontà di raccontare un’Italia fatta di valori, storia, amore e amicizia. E’ “Cuore italiano”, il cortometraggio che debutta in esclusiva e in prima visione domenica 2 giugno su RaiPlay, in occasione della Festa della Repubblica. 

Ambientato durante la Prima Guerra Mondiale, il corto narra la vicenda di due militari in trincea, tra presente, passato e futuro. 1916, 1968 e 1970: tre anni che si innestano intorno a una promessa che va mantenuta. Tre epoche che si intrecciano in una lettera, le storie di due generazioni, che viaggiano avanti e indietro negli anni, collegate dal cuore. Tano, soldato del Sud, incontra Antonio, soldato del Nord, nella trincea di Bezzecca, in Trentino, durante la Prima Guerra Mondiale. Tano suona l’organetto nei momenti di lunga attesa sul fronte.

Quell’organetto che ritornerà a casa, in Basilicata, soltanto anni dopo nel 1968, portato dalla nipote di Antonio, Anna. Lì incontrerà Gaetano, nipote di Tano e tra i due nascerà l’amore. Il cortometraggio prodotto da Ameno Cinema in collaborazione con Time Multimedia, è basato sul romanzo omonimo della poetessa trentina Virginia Grassi (pubblicato da Sacco Editore) ed è diretto dal regista slavo Viacheslav Zakharov. 

Gli attori protagonisti sono: Simone Montedoro, Matteo Carlomagno, Giovanni Pelliccia e Chiara Tascione. Il cortometraggio è scritto da Giovanni Pelliccia, il soggetto è di Virginia Grassi e le musiche sono composte dal Maestro Pinuccio Pirazzoli. Presentato alla 77 Mostra del Cinema di Venezia (2020), è stato selezionato per lo Stockholm Film &Television Festival (2020) e Marathi International Film Festival (2021). Nel 2020 è arrivato come semifinalista al Nashik International Short Film Festival of India e come finalista al Toronto Shorts International Film Festival.

        Daniela Dal Lago

VERDE GRAZZANO 2024 Parco del Castello di Grazzano Visconti (Pc) 27 - 29 settembre 2024

 

Torna Verde Grazzano, la manifestazione dedicata al verde e alla creatività che si svolge nel bellissimo parco del castello di Grazzano Visconti. Ispirata dalla natura, è il nuovo punto di riferimento per gli appassionati del verde, del vivere all’aria aperta e del giardinaggio. Verde Grazzano è tutto questo: espositori provenienti da tutta Italia, laboratori coinvolgenti e approfondimenti a tema verde ma anche l'occasione per visitare uno dei borghi più belli dell'Emilia Romagna. Ti aspettiamo a Grazzano Visconti dal 27 al 29 settembre 2024: vieni a scoprire un verde mai visto prima! 

                                                               Daniela Dal Lago

SPAZIO ANTONIONI Invito Inaugurazione venerdì 31 maggio, ore 11 Ferrara, Corso Porta Mare 5

 

Ufficio stampa Studio ESSECI – Sergio Campagnolo tel. 049663499 rif. Simone Raddi simone@studioesseci.net www.studioesseci.net

             Daniela dal Lago

BALLO&BALLO Fotografia e design a Milano, 1956-2005 Milano, Castello Sforzesco 14 giugno - 3 novembre 2024

 

Dal 14 giugno al 3 novembre 2024 il Castello Sforzesco presenta la mostra “Ballo&Ballo. Fotografia e design a Milano, 1956-2005”, prodotta da Comune di Milano – Cultura, Castello Sforzesco e Silvana Editoriale; l’esposizione è sostenuta da Strategia Fotografia 2023, avviso pubblico promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura.

 

L’idea di una mostra nasce nel 2022, quando Marirosa Toscani Ballo dona al Civico Archivio Fotografico del Comune di Milano l’archivio dello Studio Ballo+Ballo, esito del lavoro di tutta una vita con il marito Aldo Ballo.

Nel 2023 il Civico Archivio Fotografico partecipa al Bando Strategia Fotografia promosso dal MIC con un progetto di valorizzazione dell’Archivio, che risulta vincitore, e dà così il via allo studio del progetto di mostra e del catalogo.

 

Il percorso accoglie oltre un centinaio di fotografie dello studio Ballo+Ballo, alcuni oggetti di design, in prestito dall’ADI Design Museum e dalle Raccolte d’Arte Applicata del Castello Sforzesco, e alcuni oggetti originali appartenuti ai due fotografi, oltre a riviste d’epoca con cui i Ballo hanno collaborato e volumi contenenti loro fotografie. Grazie alle videoinstallazioni di Studio Azzurro, che dialogano con le foto e gli oggetti in mostra nella Sala Viscontea, tutto ciò che è memoria e non poteva essere archiviato - i processi fotografici, il rapporto con gli oggetti di design esposti in mostra, la costruzione degli allestimenti in studio - diventa presente e tangibile, rendendo accessibili anche momenti, processi, esperienze di un “laboratorio” unico, lo Studio Ballo, ma anche di un’era conclusa, quella della fotografia analogica.

 

Aldo Ballo (Sciacca, 1928 - Milano, 1994) e Marirosa Toscani (Milano, 1931-2023) hanno iniziato la loro attività di fotografi sin dai primi anni Cinquanta. Marirosa frequenta il Liceo Artistico di Brera ma sin dal 1949 è una fotoreporter e lavora per il padre, Fedele Toscani (1909-1983), collaboratore di Vincenzo Carrese e della Publifoto, poi titolare dell’agenzia Rotofoto. Aldo frequenta lo stesso liceo, poi il Politecnico di Milano e lo Studio di Monte Olimpino, a Como, fondato da Marcello Piccardo e Bruno Munari e dedicato alla sperimentazione cinematografica. Lavora anche per la Rotofoto, ma nel 1956, con Marirosa, abbandona il reportage e aprono quello che diventerà il più importante studio fotografico per la fotografia di design, dove organizzazione, professionalità e competenza porteranno i Ballo a raggiungere livelli di assoluta eccellenza. Lo studio sarà anche luogo di formazione e crescita culturale per molti, “bottega” e “scuola” dove imparare un mestiere ma anche una modalità e uno stile di vita e di pensiero.

 

Lo Studio Ballo diviene quindi luogo di confronto tra artisti, architetti, designer come, tra i molti, Bruno Munari, Gae Aulenti, Cini Boeri, Ettore Sottsass, Pier Giacomo e Achille Castiglioni, Enzo Mari, Alessandro Mendini e molti altri ancora. I Ballo collaboreranno con loro e con le più importanti ditte di design come Olivetti, Cassina, Danese, Zanotta, Brionvega, Alessi, Arflex, Bassetti, Barilla, Kartell, Artemide, Tecno, Driade, Borsalino, B&B Italia, Venini, e con La Rinascente. Le immagini di Aldo e Marirosa sono inoltre sulle principali riviste di design e arredamento, come “Domus”, “Ottagono”, “Abitare”, e in particolare “Casa Vogue”, diretta da Isa Tutino Vercelloni, che si avvale della collaborazione dei Ballo dal 1968 al 1992.

 

Lo Studio Ballo si pone così al centro dei fermenti e delle dinamiche culturali che caratterizzano l’evoluzione del design italiano, contribuendo in maniera determinante, con le loro immagini, alla sua affermazione a livello internazionale, consacrata dalla grande mostra tenutasi al MoMA di New York nel 1972, Italy: The New Domestic Landscape (a cura di Emilio Ambasz), le cui immagini in catalogo vengono affidate ad Aldo Ballo.

 

Studio professionale, scuola e bottega per molti giovani assistenti, poi divenuti a loro volta fotografi. Un clima, un ambiente, una modalità di intendere rapporti, collaborazioni, scambi culturali.

Ma come era possibile restituirne il clima, ciò che non è materiale e quindi resta solo nella memoria? L’intervento di Studio Azzurro – le cui origini sono strettamente legate allo Studio Ballo – si pone su questo piano, nel tentativo di restituire un vissuto condiviso di ciò che è destinato a non restare se non appunto nella memoria.

Le installazioni di Studio Azzurro dialogano in mostra, nella Sala Viscontea, con materiali originali esposti in bacheca (fotografie, riviste, libri) per meglio comprendere il rapporto dei Ballo con l’editoria nel campo dell’architettura e del design e per comprendere le varie articolazioni del “processo” fotografico: dal provino alla stampa positiva, alla pagina di rivista. Dialogano inoltre, a parete, con le fotografie che mettono in luce l’evoluzione dello stile della fotografia dei Ballo, dedicato al design italiano dagli anni Cinquanta fino agli anni Novanta.

 

Nella Sala dei Pilastri sono invece esposti grandi ritratti di importanti designer, in dialogo con le fotografie degli oggetti da loro progettati, e inoltre un significativo omaggio ad alcuni ritratti realizzati da Marirosa.

Il grande “racconto” sullo Studio Ballo è quindi completato dai ritratti video realizzati negli anni da Studio Azzurro, dove molti dei protagonisti del design e dell’arte italiana si passano il testimone in un montaggio a sei schermi sincronizzati, dando vita a un racconto corale che restituisce appieno ciò che i Ballo hanno rappresentato, e lasciato, al mondo non solo del design, ma della cultura tutta.

 

La mostra è accompagnata da un catalogo bilingue, italiano-inglese, con apparati scientifici, saggi e immagini, edito da Silvana Editoriale.

 

 

 

Ufficio stampa Mostra

Studio ESSECI di Sergio Campagnolo

tel. 049.66.34.99 - ref. Simone Raddi simone@studioesseci.net

 

Ufficio stampa Silvana Editoriale

Alessandra Olivari – press@silvanaeditoriale.it

 

Ufficio Stampa Comune di Milano

Elena Conenna - elenamaria.conenna@comune.milano.it

Giò Di Giorgio

 

 

Depardieu-Barillari, il titolare dell'Harry's Bar: "Scene simili non accadevano da anni"

(Adnkronos) - "Erano scene che succedevano fino a 15 anni fa: prima ci eravamo abituati, oggi sembra di essere tornati indietro nel tempo e veramente non ce lo aspettavamo". Così all'Adnkronos Piero Lepore, titolare dell'Harry's Bar di via Veneto, dove oggi si è tornati a momenti da dolce vita con il king dei paparazzi, Rino Barillari, preso a pugni dopo aver scattato delle foto a Gerard Depardieu. 

"Depardieu stava mangiando esternamente con degli amici, erano in sei, è passato Barillari, lo ha visto e gli ha fatto un po' di foto - racconta Lepore - Mentre stava facendo le foto, la donna che era con lui gli si è scagliata addosso in una maniera incredibile, gliene ha dette di tutti i colori". A quel punto "è arrivato Depardieu senza dire niente, ha sferrato due cazzotti a Rino. Poi è salito nell'auto e sono andati via", racconta il titolare del celebre locale. "Siamo abituati ai personaggi famosi, ma non eravamo più abituati a queste scazzottate", conclude. 

AdnKronos

“BRIVIDI D’AUTORE” Ora sulle principali piattaforme In streaming i brividi pericolosi (d’autore) di Campanella e Cucinotta!

 

Dopo l’uscita nelle sale cinematografiche del territorio nazionale con ottimo riscontro da parte della critica, Brividi d’autore, l’originalissimo thriller diretto da Pierfrancesco Campanella con protagonista una splendida Maria Grazia Cucinotta approda ora in rete grazie a CG Entertainment.

È infatti disponibile in streaming per gliper gli abbonati al canale CG Collection su Prime Video,

e su CGTV.IT(i nuovi iscritti al canale posso usufruire del periodo di prova gratuita, maggiori info qui www.cgtv.it/abbonati-a-cgtv/).

Brividi d’autore è fruibile anche on demand (a noleggio) sulle principali piattaforme on line:

CGtvhttps://www.cgtv.it/film-dvd/brividi-dautore/

Prime Videohttps://www.primevideo.com/-/it/detail/0T8FD97WSVMHY61TREALVIMKAU/ref=atv_dp_share_cu_r,

Apple Tvhttps://tv.apple.com/it/movie/brividi-dautore/umc.cmc.6ugdm5ko4r4y04izgljhuabyr

Ea breve anche su Google Play eYoutube!

Un’opera dalla struttura molto particolare, un inquietante noir dove i colpi di scena si dipanano l’uno all’interno dell’altro in un avvincente gioco di scatole cinesi, a formare una vera e propria matrioska da incubo.

La bellissima attrice siciliana interpreta il ruolo di una “strana” regista dalla personalità contorta, mascherata da un aspetto glamour e apparentemente rassicurante, reduce da un film flop e perseguitata da un maniaco col volto di Frankenstein. Lei vuol tornare a tutti i costi dietro la macchina da presa e propone così a dei produttori una serie di storie sopra le righe nelle quali è difficile stabilire il confine tra la propria fantasia perversa e il suo sconcertante vissuto. 

Ricevendo rifiuti a raffica, la testarda protagonista si imbestialisce al punto di realizzare un horror in presa diretta con sevizie, sangue e torture dal vero, morto incluso. Successo ritrovato ma anche galera assicurata? Di certo, nella tipica tradizione del giallo, nulla è come sembra e lo spettatore è destinato a rimanere inchiodato alla sedia fino all’ultimo fotogramma.

Impreziosito da un ricco cast comprendente Franco Oppini, Emy Bergamo, Adolfo Margiotta, Nicholas Gallo, Chiara Campanella, Sebastiano Somma e Gioia Scola, conturbante icona cinematografica degli anni Ottanta (Sotto il vestito niente 2, Yuppies 2), Brividi d’autore, prodotto da Sergio De Angelis, ha partecipato a numerosi festival internazionali aggiudicandosi, tra gli altri, i premi per il miglior thriller e la miglior regia all’Hollywood Blood Horror Festival e quello per la miglior dark comedy al Miami International Gold Awards.

 

 

GUARDA E CONDIVIDI  il trailer da YOUTUBE: https://youtu.be/ldmN1P--p0s?si=QG6xTZ-EwnHAs7Im

A Venezia la prima scultura olografica di Solmi: l'imperatrice bizantina Teodora diventa influencer sulla laguna con Var Digital Art by Var Group

 

Altissima definizione dell’immagine, profili flottanti e cromatismi ipnotici: è questa la “tecnologia olografica 3D” che nelle mani dell’artista Federico Solmi ha dato vita alla sua prima scultura olografica “The Alluring Empress, Empress Theodora”, visitabile fino al 28 luglio all’interno della mostra “SOLMI - Ship of Fools” nel seicentesco Palazzo Dona’ dalle Rose, affacciato sul panorama unico e senza tempo della laguna di Venezia.

Una scultura impalpabile e stereoscopica, nata dall'incontro tra la creatività di Federico Solmi, artista italiano da 25 anni negli Stati Uniti, premiato dal Guggenheim Museum di New York e visiting professor alla Yale University e Var Group, eccellenza italiana del digitale la cui CEO è Francesca Moriani. 

Reale e virtuale: il tempo scorre simultaneamente dentro e fuori le creazioni immersive e multi materi che di Federico Solmi che sceglie la più contemporanea delle proiezioni, quella olografica, per plasmare una vera e propria scultura a-materica. Con il suo stile inconfondibile l’immagine storica dell’imperatrice bizantina Teodora è interpretata dall'artista come una contemporanea influencer. Teodora sovverta l'idea stereotipata della regnante, con il suo passato controverso da attrice, prima di diventare moglie di Giustiniano I, è un’importante consigliera politica e paladina dei diritti delle donne. La scultura olografica è stata creata trasferendo digitalmente i linguaggi della pittura espressiva di Solmi mediante programmi di elaborazione grafica 3D e motion capture ed è generata da un avanzato sistema di proiezione olografica che consente un'ampia libertà di movimento e un'altissima definizione dell'immagine in qualsiasi condizione di luce, esaltandone gli effetti verosimili di tridimensionalità nello spazio. 

  “The Alluring Empress, Empress Theodora” nasce, infatti, dall’utilizzo artistico e creativo fatto da Solmi con la sperimentazione della cosiddetta “tecnologia umana olografica 3D di livello superiore”, sistema tecnologico che sblocca il piano di visione prospettico componendo immagini olografiche 3D perfette. 

Nell’opera nata da questo dialogo tra arte e digitale, Teodora ammalia il pubblico nella forma di un miraggio ingannevole, caustica verso la banalità della contemporaneità e del mondo in cui viviamo, personaggio impertinente che sprona lo spettatore a non accettare la realtà così com’è ma a raccontare il proprio tempo con un altro vocabolario. La figura impalpabile, in movimento e quasi fantasmagorica di Teodora emerge dal buio e fa eco al suo grande busto in ceramica policroma esposto poco più avanti. Le immagini tridimensionali e stereoscopiche di “The Alluring Empress, Empress Theodora” sono frutto della sinergia tra il pioniere della media art Federico Solmi e Var Digital Art, il progetto no profit di Var Group che mira ad esplorare le contaminazioni tra i linguaggi dell'arte contemporanea e le tecnologie digitali. VDA by Var Group, con la direzione artistica di Davide Sarchioni, ha supportato Federico Solmi mettendo a disposizione i mezzi e l'expertise di Var Group per realizzare l'inedito progetto dell’artista di fama internazionale che ha saputo declinare queste risorse tecnologiche nel proprio alfabeto visivo, in un continuo e stimolante dialogo tra le grandi innovazioni del nostro tempo e la tradizione pittorica internazionale che in “The Alluring Empress, Empress Theodora” coesistono sorprendentemente. 

 “Chi fa innovazione rompe gli schemi, le consuetudini, l’ordine costituito delle cose fornendo visioni del mondo prima inesplorate, migliorandone la comprensione e la fruizione” spiega Alessandro Tiezzi, Founder di VDA by Var Group. “È qui che Var Group e Federico Solmi si incontrano: nella sfida all’innovazione, alla sperimentazione di nuovi linguaggi. Da qui nasce un nuovo linguaggio creativo: dall’incontro tra ingegno digitale e creatività umana che utilizza le tecnologie per abilitare nuove forme espressive”. 

 “Nel lavoro e nel linguaggio di Federico Solmi abbiamo individuato una peculiare attitudine, propria dell'artista, nel saper liberamente traghettare la sua ispirazione e la sua creatività da una dimensione all’altra, tra quella analogica e digitale” continua Davide Sarchioni. “Con Solmi ci siamo spinti a far sì che le nuovissime tecnologie potessero entrare in contatto con il suo mondo artistico apportando nuove suggestioni e ispirazioni alla sua urgenza creativa”. La mostra "Solmi – Ship of Fools” è accompagnata da un catalogo edito da Gangemi Editore in lingua inglese con una completa storiografia dei suoi lavori. Il progetto è guidato dalle intuizioni curatoriali degli storici dell’arte Dorothy Kosinski, Direttore Emerito della Phillips Collection, e di Renato Miracco. Oltre agli scritti di Kosinski e Miracco, i contributi in catalogo di Larry Ossei-Mensah, Serena Tabacchi e Davide Sarchioni esplorano il rapporto e impatto della tecnologia con l’arte contemporanea. La mostra è realizzata in partnership con Var Digital Art by Var Group, che è attivamente impegnata nella promozione del rapporto tra arte e impresa attraverso le tecnologie digitali. La Carl & Marilynn Thoma Foundation ha generosamente contribuito alla costruzione di questo progetto, mentre il supporto museale proviene dalla Phillips Collection, avamposto dell’arte contemporanea negli Stati Uniti, dove Federico Solmi è presente con diverse opere nella collezione. La strategia di comunicazione della mostra è affidata a HF4 di Marco del Bene. 

Ufficio Stampa HF4 www.hf4.it Marta Volterra marta.volterra@hf4.it+39.340.96.900.12 Valentina Pettinelli valentina.pettinelli@hf4.it+39.347.449.91.74

Giò Di Giorgio

DÜRER E LE ORIGINI DEL RINASCIMENTO NEL TRENTINO Trento, Castello del Buonconsiglio 6 luglio- 13 ottobre 2024

 

Il Castello del Buonconsiglio sceglie, non a caso, un grande nordico, Albrecht Dürer, come protagonista della mostra simbolo del Centenario del museo, nato nel 1924. Dürer scoprì Trento e il Trentino negli anni 1494-95, restando affascinato dai paesaggi e dalle atmosfere di questi luoghi, catturandone l’essenza in una celebre serie di acquerelli. Ad attrarre il norimberghese fu un Principato dove l’arte e le arti erano coltivate con grande passione e dove il Rinascimento veniva declinato in modo del tutto originale.

Nell’esposizione, la presenza di Dürer in Trentino è testimoniata da disegni, acquerelli (tra questi la magnifica veduta proprio del Castello del Buonconsiglio proveniente dal British Musuem), incisioni e dipinti: l’arte del grande tedesco non passò inosservata ma stimolò gli artisti qui attivi a ripensare la loro arte.

Partendo dallo spettacolare “caso Dürer”, il percorso espositivo si addentrerà nelle origini di quel Rinascimento originalissimo che si sviluppa in Trentino tra 1470 e 1530/40, per dare forma a uno stile nuovo, o meglio, l’insieme di tanti nuovi linguaggi, influenzati da artisti, opere, mode e modi che risalgono dall’Italia alla Germania, alle Fiandre e viceversa.  

Daniela Dal Lago

ARTE DEL VEDERE Manifesti e occhiali dalle Collezioni Salce e Stramare Treviso, Museo nazionale Collezione Salce Santa Margherita | Via Reggimento Italia Libera 18 maggio - 6 ottobre 2024

 

La Vernice Stampa della mostra “ARTE DEL VEDERE. Manifesti e occhiali dalle Collezioni Salce e Stramare”, già prevista per venerdì 17 maggio, è stata posticipata – come da invito allegato – a sabato 18 maggio. La Stampa potrà accedere alla mostra a partire dalle ore 10,30 ed alla successiva cerimonia inaugurale delle 11,30. Dalle ore 10,30 sarà possibile incontrare anche i Curatori. 

             Daniela dal Lago

DIORAMA Generation Earth MUSEO MAN, NUORO 5 luglio - 10 novembre 2024

 

Apertura alla stampa, giovedì 4 luglio ore 11-14 Inaugurazione, venerdì 5 luglio ore 19   a cura di Chiara Gatti, Elisabetta Masala in collaborazione con Storyville con un testo a catalogo di Felice Cimatti Il MAN di Nuoro annuncia per l’estate una grande mostra che trasformerà tutte le sale del museo in uno spazio dinamico e sensibile, fatto di narrazioni e visioni, memorie della terra e nuovi orizzonti. Il MAN, come un gigantesco diorama - illusione in scatola di un mondo verosimile, dispositivo usato soprattutto nei musei di storia naturale per illustrare gli ambienti della biosfera – tornerà a proporre al pubblico una esperienza di “attraversamento” del museo, già sperimentata nel 2022 con la mostra SENSORAMA, interrogandosi ancora una volta su temi di attualità. Derivato dal greco dià (attraverso) e òrama (visione), DIORAMA significa “vedere attraverso” o “all’interno di qualcosa”.

In questo caso, attraverso spaccati di mondi naturali e innaturali, popolati di creature e vegetazioni reali o ricreate, in una prospettiva che rende sempre più ambiguo il limite fra autentico o generato dall’intelligenza artificiale, possibile o impossibile.

 

Gli artisti selezionati, italiani e internazionali, offrono attraverso le loro opere, fra dipinti e sculture, installazioni e video, un ventaglio di interpretazioni che spaziano dalla creatività mimetica alla trattazione del post-naturale, dall’ibridazione interspecifica alla tassidermia da wunderkammer, dall’invenzione del paesaggio naturale alle inesplorate visioni dell’intelligenza generativa.

Attraverso le opere, DIORAMA - Generation Earth intende suscitare un dialogo critico e incentivare una riflessione sulla nostra posizione all’interno della biosfera e invitare a una rinnovata relazione con essa. Gli artisti si pongono così come catalizzatori di un cambiamento radicale, con la loro capacità di vedere oltre il visibile, ci invitano a gettare le basi di un immaginario diverso, che possa guidarci verso un futuro inclusivo e rispettoso di tutte le forme di vita.

 

 

 

 

Ufficio Stampa

STUDIO ESSECI - Sergio Campagnolo

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referente Simone Raddi, simone@studioesseci.net

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MAN_Museo d'Arte Provincia di Nuoro

Via Sebastiano Satta 27 - 08100 Nuoro

tel +39.0784.252110

Orario estivo: 10:00 - 20:00

(Lunedì chiuso)

info@museoman.it

Daniela Dal lago